摄影艺术极简史-
2024-08-25编辑：本站
~
摄影发展的历史资料中大多会提到尼埃普斯的日光蚀刻法，从那之后，摄影开始了它的历程：接下来有了银版、火棉胶等摄影法，以及我们所熟知的徕卡摄像机，各种摄影机器的更新和改造，从胶片到数码等。
几乎纯粹变成了摄影机器的演化史，但摄影更多的是表达个人的思想，是一门艺术。然而摄影的开始却不被认为是一种艺术，摄影艺术极简史就是打算从这个角度出发，一起了解摄影一路走来，怎么成为一门艺术？
摄影的最开始并不能算是艺术，顶多算门手艺。里面涉及很多的手工艺，早期的化学工艺的尝试以及近代的暗房处理，都是很考验个人手艺的技术活，因此早期的摄影更多的是手艺活。
留存到现在的相片最早就是尼埃普斯的作品，他将犹太沥青涂在铅锡合金板上，足足曝光了八小时才获得一下影像。
尼埃普斯的合伙人达盖尔继续完成他的研究并申请了专利，摄影历史的开端大多也认为从此开始了。
摄影艺术真正得以传播的应该是塔尔博特，据说塔尔博特早就完成了达盖尔的活，只是一直没有得到自己满意的图像，一直拖着，让达盖尔捷足先登。
摄影分为了 显影 和 定影 两种，开始的显示大家都能看到，问题就在于怎么保存下来，就是定影的活了。不然怎么炫耀啊，不对，应该是不然怎么供后人学习，自己的作品通过定影才能流传。
如上图所示，塔尔博特的作品之一。总体来看相片呈现淡淡的紫色，早期的工艺手法表现，因为浓食盐的原因，认真看还能发现一些盐迹。关键在于相片是负像，并不是达盖尔的直接成像。
这里出现了非常关键的点，就是负像，也就是说底片出现了，这点非常重要。达盖尔是直接成像，不利于传播，有了底片之后，相片就可以复制，传播性完全不在一个级别上。摄影的塑造性也大了，因为底片的处理可以加入个人情感。
塔尔博特后面的定影技术更胜一层楼，从上面的图片中已经可以看到在那个年代已经相当不错了，棕色调不是后期的滤镜，那时候没有这个东西，而是定影剂的效果，用了海波，现在的暗房处理用的定影剂依旧是海波。
塔尔博特后的摄影得以传播，问题是这门技术可以传播了，那么有什么用？新的事物出现的需要一个方向，随后出现了一个关键的人物。
她女儿怕她退休后太无聊，在她48岁的时候送了一台相机给她，从此摄影艺术诞生了杰出的人物并又往前迈了一步。
相机怎么体现艺术？此时最能体现艺术的就是绘画了。卡梅隆所处的时代正是前拉斐尔派艺术运动时期，前拉斐尔派的目的是为了改变当时的艺术潮流，认为拉斐尔以前的古典的姿势和优美的绘画成分都已经腐化了，因此取名为前拉斐尔派。
摄影通过前拉斐尔派艺术运动来变现自己的特点，就往艺术又靠近了一点点。
摄影为了体现艺术，需要向绘画学习，那么怎么样才能提取绘画中的精华？下面的作品正好诠释了摄影的走向。
初看相片，也许会认为连对焦都不会，误认为是那个时候摄影机器问题。其实并非如此，那是从绘画中学习而来的，以此来表现个性和情绪，通过柔焦人像来表现，卡梅隆这样的表现形式对后面的人像流派产生了非常重要的影响。
虽说是向绘画中学习，可是离绘画还有一些距离，但是已经有了绘画的感觉了。
在向绘画中学习了一段时间后，知道怎么更像绘画，接下来就诞生了画意摄影。这个时期的摄影作品已经很像绘画了，跟绘画非常接近，画意摄影的集大成者就是斯特勒斯了。
画意摄影的最大特点就是柔焦，摄影作品认真看并不会太清晰，很柔和，像是画笔修饰过，而不是现代摄影中的锐利清晰的感觉。
什么是艺术？模仿可不算艺术，哪怕模仿得再像，也没用。正所谓仿我者死，学我者生。模仿并没有价值，要做自己，摄影又怎么做自己？摄影已经从刚开始并不知道自己的方向，到向绘画学习，最后像绘画了，接下来摄影艺术之路何去何从？
摄影是时候变革了，要成为独立的艺术，就需要跳出模仿的束缚。
埃默森在画意摄影最盛行的时候提出：摄影本该就是独立的艺术，不应该向绘画学习，我们学习的对象只有一个，那就是大自然。
埃默森严格抨击了画意摄影，认为这并不是完整的摄影，鼓励摄影师从大自然中寻找自己的灵感，在自然中挖掘题材，通过写实的手法来表现自然美。
以此同时，他提出了焦点视觉理论，我们人眼观察事物，会有一个焦点，四周是模糊的，摄影也应该跟人眼观察事物一样。
上面的作品中可以发现有个实的区域，然后外围慢慢开始模糊，就像我们今天说的虚化，人是实的，背景全部虚化，体现焦点视觉理论的作品。
自然中记录最真实的美，在当时来看跟潮流不符合，但这个思想影响了很多人，让大家有个这么个意识：摄影就应该是个独立的艺术。
“美国现代摄影之父”阿尔弗雷德·斯蒂格里茨就是受到埃默森的影响下，成立了摄影分离派，同样是现代摄影史中重要的一支。
摄影既然要摆脱束缚，要成为自己，尤金·阿杰就成为了节点性的人物，在摄影艺术史上非常的关键，他对绘画有着深刻的见解，知道怎么样才能摆脱绘画从而体现摄影独特的美。
阿杰的作品深藏绘画中的因素，也为后世开创了新纪元，他的作品就是一个过渡，一个迈向摄影艺术本身的过程。后世给了阿杰很多称号，像超现实主义摄影等。
阿杰的作品中有种抓拍的感觉，那个时候其实还是玻璃干板，曝光时间虽然短了，仪器还是比较巨大和麻烦的，拍出那样的感觉并不容易。
阿杰的作品中出现人物的作品还是比较少的，主要是阿杰用了长曝光法，即便路上行人比较多的情况下也能拍摄出非常干净的相片，当然，他拍摄的时间也是行人较少的时间段。
摄影的探索还在继续，摄影最大的功能就是记录下一切，柯蒂斯耗费30多年在美国西部拍摄印第安人，记录印第安人的生活，让后人了解灭绝的印第安人的生活本来是怎么样的。
柯蒂斯的拍摄活动打开了摄影中的报道和纪实摄影的门，当然，后面也有人认为柯蒂斯纯属是为了完成任务而拍摄的，因为柯蒂斯当时收到了摩根财团的支助，让他去完成印第安人的记录，大家认为这并不能算柯蒂斯的想法。
跟柯蒂斯不一样的是贝洛克是自发的去记录和拍摄，自发表达自己情感和艺术的过程。贝洛克属于先锋摄影，用纪实的手法和技巧为我们留下了很多时代的记忆。
贝洛克中的作品有部分是记录当时妓女的生活情况的，由于尺度过大，就暂时给大家欣赏上面的作品，有兴趣深挖的可以找出贝洛克的作品继续欣赏。
这个时候，摄影的纪录功能又提升了一大截，无论是纪录手法还是形式上。以此同时，摄影艺术也走出属于自己的天地。
摄影慢慢有了自己的东西，有了自己的特点。
摄影艺术的地位和认同很大程度是因为韦斯顿，证据是什么？证据就是韦斯顿是第一个作为摄影师获得古根海姆奖的人。
古根海姆奖一直以来只赋予艺术领域的人，在艺术领域有着崇高的地位，能得古根海姆奖意味着艺术领域有着极高的造诣，而作为摄影师的韦斯顿获得了，意味着摄影已经成为一门艺术并且得到了世人的认可。
这作品想必大家多少有点熟悉，同样是拍摄青椒，看看大师拍的，已经不仅仅是青椒了，静下心继续欣赏越看越有味道。
韦斯顿已经在影调、质感、画质上追求到了极致，这些摄影机上的属性发挥也发挥到了极致，大家也从中品味到了摄影真正的味道，我想这不正很好的诠释了什么叫摄影艺术。
教科书般的人物，只要是学过摄影的，无论怎么样都绕不开亚当斯。就像学物理总知道牛顿吧。
亚当斯在摄影教育上的成就是极高的，这就是为什么说学摄影无论怎么样都绕不开亚当斯，尤其是亚当斯的区域曝光法，有句话是这么评价亚当斯的-----上帝创造了光，亚当斯分成了十份。现在的Photoshop，直方图都是依据亚当斯的标准。
摄影此前一直是个技术活，大师拍得好总会说凭感觉，然而亚当斯将其量化了。亚当斯将摄影量化就是说只要普通人依据他的曝光法标准，也能拍出他那样的相片。相当于做饭放多少盐，很多人说适量就好，问题是多少才算适量，这个时候如果有人告诉应该放15克，你就有了方向，也能做出相同的菜式，至少相差没有那么远。
不仅仅是摄影技术上亚当斯将其量化，暗房的技术特点也写成一本书将其量化，在定影剂中应该放多少秒等都有详细的介绍。
摄影艺术一直在前行和发展中，从摄影诞生到模仿绘画再到成为自己，每一步每个节点上都有关键的人推动着摄影艺术的发展。
现在已经是全民摄影的时代，摄影的门槛降低了，人手一部手机就可以拍摄自己想要的景色和人物，虽然拍摄的作品可能并不能算得上是艺术，但依旧可以表达自己的想法。
技术决定下限，审美决定上限。摄影已经很方便了，要想摄影达到另外一种境界，或者说提升一个境界，提高自己的审美才是关键。
抛开相机技术的发展，从艺术的角度切入去看待摄影艺术，又会是另一番景色，希望大家对摄影艺术又有另一番认识。
梦华录火了,普通人如何拍出绝美古风照? 答：从兼职到全职摄影我是从2018年5月开始网上报班学摄影，开始接触汉服文化到现在有四年时间了。之前是周末兼职摄影到后来辞职做全职摄影师。我爸是文化艺术的忠实爱好者，受他影响和教诲，我初中就开始学习国画和书法，高中也是艺术生，大学学的是平面设计，一直都从事美术相关的工作，这对我的摄影审美一直都...
[摄影入门教程]摄影常用十大构图法则 答：看下面李泽厚教授在美的历程中对宋元山水画的描述，或可以启发摄影极简留白构图的应用。归根到底，极简留白是在照片前期拍摄中做足了减法，舍弃了大量的有碍于主体的元素，以此达到一种意境之美。这个构图以往的文章说过，正方形构图的美在于正方形四边等长，给人以从中心向外扩散的感觉，因而图片的稳定性...
Midjourney提示词100+顶级艺术风格 答：极简主义 提示词：acute dog， Minimalism，第二次世界大战之后60年代所兴起的一个艺术派系，作为对抽象表现主义的反动而走向极至，以最原初的物自身或形式展示于观者面前为表现方式，意图消弥作者借着作品对观者意识的压迫性。Post-Impressionism 后印象派 提示词：acute dog， Post-Impressionism，法国美术史...
架上艺术详细释义 答：尽管“非架上”艺术日益活跃，对“架上艺术”构成威胁，但传统的绘画形式依然坚守阵地。装置艺术的暂时沉寂为架上艺术提供了新的机遇，但其本质并未被取代，因为艺术中观念的差异而非形式的分界是当代艺术的关键。历史上，绘画在60年代曾面临危机，极简艺术看似将绘画推向尽头。然而，新绘画运动的兴起，如...
怎样才能体现出油画艺术作品的“极简风格”? 答：油画中的极简风格,是画家删繁就简,把一种绘画风格发挥到极致的绘画语言,追求画面简洁,单纯,大方的明快风格。回答完毕 我是艺术狂人,从事少儿美术教育,如有美术,美术教育的疑问,欢迎私信 想要体现极简风格,首先要明白什么是极简风格,简单的定义是“以简单到极致为追求”,最初是使用在家装方面的,后来延伸到摄影和绘...
【海平面】37张令人惊叹的海报设计 答：复古风格的Gregoire Guillemin超级英雄海报，以极简设计致敬经典，而《叫我幸运》则以对比鲜明的插图与极简调色板，勾勒出电影的温情脉络。包豪斯展览的海报，包豪斯标志与几何元素交织，展现了设计的现代主义精神。《大都会》的1927年装饰艺术风格复制品，是对经典电影海报的致敬，同样引人瞩目。基奇纳勋爵的...
纪实摄影的价值意义 答：一、纪实摄影的出现是摄影本身的一次解放，更是意味着摄影走出绘画的惟一出路。纪实摄影以反映社会人为本质，摒弃那种唯美及人工的倾向，创出了新的美学领域：在纪实摄影活动中，艺术被淡化了，美学意义却更强了。因为纪实作品并不是什么美的原则，丑的原则或是均衡，对称等所能阐释的，纪实摄影的一切都是...
实验电影的历史沿革 答：与此同时,苏联的电影艺术家们也 在现代绘画和摄影艺术之外展现了 他们独特的蒙太奇理念。像Dziga Vertov,Sergei Eisenstein,,Lev Kuleshov, Alexander Dovzhenko 和 Vsevolod Pudovkin这样的电影就向我们展示了全然不同于1910-20年代的好莱坞主流电影的拍摄模式和风格, 所以尽管他们不是实验电影, 但也对丰富实验电影的...
抽象头像插画-极简抽象的色彩艺术——扁平风格插画 答：他是西班牙人,自幼有非凡的艺术才能,他的父亲是个美术教师,又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练,具有坚实的造型能力。 [编辑本段]【生平大事记】 巴勃罗_毕加索(PabloPicasso,1881～1973)出生在西班牙马加拉,法国共产党党员,是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家,他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的...
风景摄影的八大构图技巧 答：摄影艺术中将构图作为创作的重要环节,一位摄影艺术造诣水平出众的大师必定是各种摄影构图技巧灵活运用的佼佼者。下面是我为大家整理风景摄影八大构图技巧,供大家参考! 风景摄影八大构图技巧 最丰富——利用框架 如何使一张平面的照片充满三维的深度?其实你只需要在画面中采取某些真实的或者隐形的框架来作为画面中的前景...
几乎纯粹变成了摄影机器的演化史，但摄影更多的是表达个人的思想，是一门艺术。然而摄影的开始却不被认为是一种艺术，摄影艺术极简史就是打算从这个角度出发，一起了解摄影一路走来，怎么成为一门艺术？
摄影的最开始并不能算是艺术，顶多算门手艺。里面涉及很多的手工艺，早期的化学工艺的尝试以及近代的暗房处理，都是很考验个人手艺的技术活，因此早期的摄影更多的是手艺活。
留存到现在的相片最早就是尼埃普斯的作品，他将犹太沥青涂在铅锡合金板上，足足曝光了八小时才获得一下影像。
尼埃普斯的合伙人达盖尔继续完成他的研究并申请了专利，摄影历史的开端大多也认为从此开始了。
摄影艺术真正得以传播的应该是塔尔博特，据说塔尔博特早就完成了达盖尔的活，只是一直没有得到自己满意的图像，一直拖着，让达盖尔捷足先登。
摄影分为了 显影 和 定影 两种，开始的显示大家都能看到，问题就在于怎么保存下来，就是定影的活了。不然怎么炫耀啊，不对，应该是不然怎么供后人学习，自己的作品通过定影才能流传。
如上图所示，塔尔博特的作品之一。总体来看相片呈现淡淡的紫色，早期的工艺手法表现，因为浓食盐的原因，认真看还能发现一些盐迹。关键在于相片是负像，并不是达盖尔的直接成像。
这里出现了非常关键的点，就是负像，也就是说底片出现了，这点非常重要。达盖尔是直接成像，不利于传播，有了底片之后，相片就可以复制，传播性完全不在一个级别上。摄影的塑造性也大了，因为底片的处理可以加入个人情感。
塔尔博特后面的定影技术更胜一层楼，从上面的图片中已经可以看到在那个年代已经相当不错了，棕色调不是后期的滤镜，那时候没有这个东西，而是定影剂的效果，用了海波，现在的暗房处理用的定影剂依旧是海波。
塔尔博特后的摄影得以传播，问题是这门技术可以传播了，那么有什么用？新的事物出现的需要一个方向，随后出现了一个关键的人物。
她女儿怕她退休后太无聊，在她48岁的时候送了一台相机给她，从此摄影艺术诞生了杰出的人物并又往前迈了一步。
相机怎么体现艺术？此时最能体现艺术的就是绘画了。卡梅隆所处的时代正是前拉斐尔派艺术运动时期，前拉斐尔派的目的是为了改变当时的艺术潮流，认为拉斐尔以前的古典的姿势和优美的绘画成分都已经腐化了，因此取名为前拉斐尔派。
摄影通过前拉斐尔派艺术运动来变现自己的特点，就往艺术又靠近了一点点。
摄影为了体现艺术，需要向绘画学习，那么怎么样才能提取绘画中的精华？下面的作品正好诠释了摄影的走向。
初看相片，也许会认为连对焦都不会，误认为是那个时候摄影机器问题。其实并非如此，那是从绘画中学习而来的，以此来表现个性和情绪，通过柔焦人像来表现，卡梅隆这样的表现形式对后面的人像流派产生了非常重要的影响。
虽说是向绘画中学习，可是离绘画还有一些距离，但是已经有了绘画的感觉了。
在向绘画中学习了一段时间后，知道怎么更像绘画，接下来就诞生了画意摄影。这个时期的摄影作品已经很像绘画了，跟绘画非常接近，画意摄影的集大成者就是斯特勒斯了。
画意摄影的最大特点就是柔焦，摄影作品认真看并不会太清晰，很柔和，像是画笔修饰过，而不是现代摄影中的锐利清晰的感觉。
什么是艺术？模仿可不算艺术，哪怕模仿得再像，也没用。正所谓仿我者死，学我者生。模仿并没有价值，要做自己，摄影又怎么做自己？摄影已经从刚开始并不知道自己的方向，到向绘画学习，最后像绘画了，接下来摄影艺术之路何去何从？
摄影是时候变革了，要成为独立的艺术，就需要跳出模仿的束缚。
埃默森在画意摄影最盛行的时候提出：摄影本该就是独立的艺术，不应该向绘画学习，我们学习的对象只有一个，那就是大自然。
埃默森严格抨击了画意摄影，认为这并不是完整的摄影，鼓励摄影师从大自然中寻找自己的灵感，在自然中挖掘题材，通过写实的手法来表现自然美。
以此同时，他提出了焦点视觉理论，我们人眼观察事物，会有一个焦点，四周是模糊的，摄影也应该跟人眼观察事物一样。
上面的作品中可以发现有个实的区域，然后外围慢慢开始模糊，就像我们今天说的虚化，人是实的，背景全部虚化，体现焦点视觉理论的作品。
自然中记录最真实的美，在当时来看跟潮流不符合，但这个思想影响了很多人，让大家有个这么个意识：摄影就应该是个独立的艺术。
“美国现代摄影之父”阿尔弗雷德·斯蒂格里茨就是受到埃默森的影响下，成立了摄影分离派，同样是现代摄影史中重要的一支。
摄影既然要摆脱束缚，要成为自己，尤金·阿杰就成为了节点性的人物，在摄影艺术史上非常的关键，他对绘画有着深刻的见解，知道怎么样才能摆脱绘画从而体现摄影独特的美。
阿杰的作品深藏绘画中的因素，也为后世开创了新纪元，他的作品就是一个过渡，一个迈向摄影艺术本身的过程。后世给了阿杰很多称号，像超现实主义摄影等。
阿杰的作品中有种抓拍的感觉，那个时候其实还是玻璃干板，曝光时间虽然短了，仪器还是比较巨大和麻烦的，拍出那样的感觉并不容易。
阿杰的作品中出现人物的作品还是比较少的，主要是阿杰用了长曝光法，即便路上行人比较多的情况下也能拍摄出非常干净的相片，当然，他拍摄的时间也是行人较少的时间段。
摄影的探索还在继续，摄影最大的功能就是记录下一切，柯蒂斯耗费30多年在美国西部拍摄印第安人，记录印第安人的生活，让后人了解灭绝的印第安人的生活本来是怎么样的。
柯蒂斯的拍摄活动打开了摄影中的报道和纪实摄影的门，当然，后面也有人认为柯蒂斯纯属是为了完成任务而拍摄的，因为柯蒂斯当时收到了摩根财团的支助，让他去完成印第安人的记录，大家认为这并不能算柯蒂斯的想法。
跟柯蒂斯不一样的是贝洛克是自发的去记录和拍摄，自发表达自己情感和艺术的过程。贝洛克属于先锋摄影，用纪实的手法和技巧为我们留下了很多时代的记忆。
贝洛克中的作品有部分是记录当时妓女的生活情况的，由于尺度过大，就暂时给大家欣赏上面的作品，有兴趣深挖的可以找出贝洛克的作品继续欣赏。
这个时候，摄影的纪录功能又提升了一大截，无论是纪录手法还是形式上。以此同时，摄影艺术也走出属于自己的天地。
摄影慢慢有了自己的东西，有了自己的特点。
摄影艺术的地位和认同很大程度是因为韦斯顿，证据是什么？证据就是韦斯顿是第一个作为摄影师获得古根海姆奖的人。
古根海姆奖一直以来只赋予艺术领域的人，在艺术领域有着崇高的地位，能得古根海姆奖意味着艺术领域有着极高的造诣，而作为摄影师的韦斯顿获得了，意味着摄影已经成为一门艺术并且得到了世人的认可。
这作品想必大家多少有点熟悉，同样是拍摄青椒，看看大师拍的，已经不仅仅是青椒了，静下心继续欣赏越看越有味道。
韦斯顿已经在影调、质感、画质上追求到了极致，这些摄影机上的属性发挥也发挥到了极致，大家也从中品味到了摄影真正的味道，我想这不正很好的诠释了什么叫摄影艺术。
教科书般的人物，只要是学过摄影的，无论怎么样都绕不开亚当斯。就像学物理总知道牛顿吧。
亚当斯在摄影教育上的成就是极高的，这就是为什么说学摄影无论怎么样都绕不开亚当斯，尤其是亚当斯的区域曝光法，有句话是这么评价亚当斯的-----上帝创造了光，亚当斯分成了十份。现在的Photoshop，直方图都是依据亚当斯的标准。
摄影此前一直是个技术活，大师拍得好总会说凭感觉，然而亚当斯将其量化了。亚当斯将摄影量化就是说只要普通人依据他的曝光法标准，也能拍出他那样的相片。相当于做饭放多少盐，很多人说适量就好，问题是多少才算适量，这个时候如果有人告诉应该放15克，你就有了方向，也能做出相同的菜式，至少相差没有那么远。
不仅仅是摄影技术上亚当斯将其量化，暗房的技术特点也写成一本书将其量化，在定影剂中应该放多少秒等都有详细的介绍。
摄影艺术一直在前行和发展中，从摄影诞生到模仿绘画再到成为自己，每一步每个节点上都有关键的人推动着摄影艺术的发展。
现在已经是全民摄影的时代，摄影的门槛降低了，人手一部手机就可以拍摄自己想要的景色和人物，虽然拍摄的作品可能并不能算得上是艺术，但依旧可以表达自己的想法。
技术决定下限，审美决定上限。摄影已经很方便了，要想摄影达到另外一种境界，或者说提升一个境界，提高自己的审美才是关键。
抛开相机技术的发展，从艺术的角度切入去看待摄影艺术，又会是另一番景色，希望大家对摄影艺术又有另一番认识。